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HOLY OTHER en cinco respuestas

Sobre la supuesta oscuridad de su música

“La cosa es que no tengo una personalidad depresiva. Mentiría si estuviera haciendo música ostensiblemente oscura. (…) Estoy influido por la música oscura, industrial y cosas así, pero en realidad no siento que eso tenga una presencia fuerte en mi música. Es prendida, más que oscura (…), otras veces es más dreampop. No me gusta categorizarla.”
– En entrevista para Dummy

Sobre el anonimato dado por su sudadera

“Tiene que ver más con lo tímido que soy que con algo tipo ‘debo ocultar mi cara porque se ve cool’. Simplemente no quiero que la música sea alterada por algo tan personal como mi cara. Odio ver caras y relacionarlas con la música”.
– En entrevista para The Stool Pigeon

Sobre sus primeros contactos con la música

“Mis padres sólo escuchan la radio en el coche. Yo sólo escuchaba las compilaciones de ‘Now This is Music’ hasta que tuve unos 12 años. Entonces entré en contacto con el punk que era transmitido por radio y televisión por entonces”.
– En entrevista para Sub Meditation Music

Sobre Held, su álbum debut

“Es explícitamente un disco sobre una ruptura. El álbum es sobre los aspectos más ligeros y más oscuros de una relación. Se suponía que fuera contenido, claustrofóbico de vez en cuando, también apacible de pronto. (…) No comenzaba a escribir las canciones con el ritmo en mente, sino con la idea detrás de cada canción en mente. Me concentro primero en los títulos de los tracks, antes de comenzar a escribir las melodías, que es un modo inverso de escritura”.
– En entrevista con XLR8R

Sobre sus juguetes en el escenario

“Un secuenciador, un sampler, cosas para efectos… Todo hardware. Si usara una laptop en el escenario, probablemente tendría una necesidad abrumadora de checar mi gmail mientras toco. O dar una vuelta por Second Life. Para parecer ocupado. Ese tipo de mierda”.
– En entrevista para FACT

por jesús pacheco

Nocturno 2, la tendencia de lo que viene

El Nocturno 2 de MUTEK_MX en la Ciudad de México ofrece uno de los carteles más vehementes del festival, apuntando hacia una diversidad rítmica que ilustra un presente y un pasado por explorar.

Por un lado el tornamesismo de Kid Koala, ejemplo siempre impresionante y divertido de collages y muestras de sonido aleatorias que sirven para dejarse maravillar con las magnas habilidades del Canadiense Eric San. En un sentido transversal, el Chileno Paul Marmota recoge retazos de raggastep urbano para plasmarse en una actualidad que es juguetona, sexy y altamente pegajosa, un eslabón perdido entre el under y lo popular.

Y finalmente la esencia de las últimas tendencias para el dancefloor, con el Inglés Pearson Sound y el Nuyorkino Machinedrum, combinando constantes elevaciones de house y dubstep fantasma, o bass (como le dicen los expertos). Todo lo anterior, una oportunidad de vivir nuevas experiencias sonoras que sin duda abren el camino para lo que viene.

Kid Koala en vivo:

Pearson Sound en vivo:

Machinedrum en vivo:

Los visualistas Baillat Cardell & fils en vivo:

ATOM: "Es un instrumento tridimensional de luz, sonido y movimiento"

Para Robert Henke y Christopher Bauder, ATOM trasciende los confines de una pieza multimedia. “Es un instrumento porque se tiene que tocar en vivo”, dice Robert Henke. “Si, es una gran máquina que estamos operando juntos”, añade Christopher Bauder. Si existe alguien que puede redefinir el entendimiento de lo que hoy en día es un nuevo medio, ambos artistas tienen el crédito para integrar esta relación entre objeto, movimiento y audio, Robert Henke como el influyente músico Monolake y Christopher Bauder como WHITEvoid, un exitoso diseñador y artista new media.

ATOM se ha perfeccionado desde que se presentó por primera vez en Berlin hace cuatro años, su creación integra el desarrollo de software y hardware alineado con el diseño de sonido y estéticas visuales. El diseño de ATOM consiste de una matriz de 64 globos llenos de helio, luces y sonido. Alineados simétricamente en una serie de ocho por ocho, los globos blancos son esferas auto-iluminadas que flotan en el espacio como átomos de una compleja molécula. Al moverse los globos, el cuarto se llena de profundos y envolventes sonidos que salen de un sistema de sonido de cuatro canales.

“Tenemos ciertas reglas para la relación que se da entre la música, la luz y las formas. Tenemos cierta guía para cada show”, explica Bauder acerca de como tocan ATOM, “y tenemos mucho campo para la improvisación”. Robert Henke explica la interacción de ambos un poco más a detalle: “en el momento que Cristopher crea una figura con los globos y luces, eso me permite hacer muchas cosas con la librería de sonidos que tengo y me doy cuenta que soy bueno para hacer cosas de esta manera espontánea. Realmente es tocar un instrumento, y se siente increíble.”

Por – Ejival

Pearson Sound, dejando atrás al Ramadanman

En la vorágine de sonidos derivados del dubstep, se distinguen las producciones de “chavitos” en sus tempranos veintes, principalmente Rustie, Jaime xx, Ben UFO y David Kennedy. Este último con su proyecto Ramadanman y recientemente bajo el pseudónimo de Pearson Sound, que lo acerca a la vertiente que la prensa Inglesa ha decidido denominar como Bass Music. “Las cosas han cambiado, a la gente ahora le empieza a gustar un sonido más orientado al house. No soy el único, otros en la escena también ya lo producen”, explica Kennedy sobre los cambios en estética sonora y apelativo.

Para David Kennedy el usar un nuevo nombre para producir su música también significa librarse gradualmente de su anterior personalidad, pero esa diferencia entre ambos proyectos pareciera sutil aún, tal y como lo ejemplifica su live mix para la serie Fabriclive que se editó a principios del 2011. Y pareciera que David Kennedy se la pasa justificando a la prensa la razón del cambio de nombre explicando que, “todo tiene que ver con la marca ahora. Necesitas un nombre, un logo, un concepto y entiendo porqué tal vez Ramadanman pueda ser más fuerte como marca”. También ha manejado el cambio como una posibilidad de vanidad y capacidad, “como cuando entras a Discogs y ves que un productor en particular ha trabajado bajo un par de diferentes nombres; me gusta ese misterio de trabajar con múltiples pseudónimos”.

Lo que queda más claro son sus habilidades como remezclador, que han transformado la música de Radiohead, M.I.A. y Joy O en piezas totalmente diferentes a lo original. Y con esa misma seguridad transformativa, Kennedy comenta que: “en algunos remixes uno sabe exáctamente lo quiere cambiar del original, pero a veces solo tienes una idea del remix antes de que cobre vida propia. Yo uso el término ‘refix’ en lugar de ‘remix’, suena mejor así”.

Pearson Sound vs Ramadanman, ¿notas la diferencia?

Pearson Sound – “Blanked”

Ramadanman – “Glut”

Machinedrum, cómo abandonar tu música antes de tiempo.

Para Travis Stweart la creatividad llega en momentos inesperados, por eso es que permanece el mayor tiempo del día en casa trabajando. “Estoy alrededor de mi equipo, siempre aprendiendo acerca de nuevas músicas, escuchando música y sampleando cosas. Intentando estar en ese modo creativo, para que cuando llegue una idea o inspiración pueda abrazarme de esta”, dice el productor responsable de uno de los discos más laureados del 2011, el Room(s) de su proyecto Machinedrum.

Editado en la influyente Planet Mu, Resident Advisor describe a Room(s) como “una amalgama de todas las tendencias e ideas flotando en la esfera de la música electrónica en este momento, a la vez no se parece a nada y su ejecución es casi perfecta”. Y en eso radica la esencia del genio de Machinedrum, que logra matizar elementos de Dubstep, IDM, Bass y House en una secuencia frenética que lo pone por encima de otras vacas sagradas del momento como Zomby o Africa Hi-Tech.

Siendo un disco que fue inspirado mientras viajaba de gira por tren, Travis Stewart se permitió dejarse llevar por el flujo de la velocidad y terminar las cosas rápidamente sin detenerse demasiado en las cosas. “Tuve el descubrimiento de que podía terminar un track en un viaje de tres horas en tren. El hecho de que pude hacer eso me permitió no laborar demasiado en detalles”, comenta Travis Stewart sobre su reciente disco.

Y esto es tal vez una de las cualidades más sorprendentes y prácticas que pocos productores tienen hoy en día, la capacidad de trabajar rápidamente con calidad. “Creo que esto es algo muy importante para los artistas”, explica Travis Stewart a Resident Advisor, “el como sentirte BIEN al abandonar tu obra. Esencialmente el arte nunca termina. Puedes jugar con ello el resto de tu vida y nunca lo finalizarás, así que ¿porqué mejor no abandonar un track antes de lo normal?”

Texto por – Ejival

GYBE de Machinedrum:

Muti Randolph: "Estoy interesado en la confusión, pero sin la ayuda de drogas"

Para el artista multimedia Brazileño Muti Randolph, su trabajo trastoca las disciplinas de la arquitectura y el diseño gráfico, creando complejas instalaciones que buscan integrar la música e imagen con espacios físicos.

Entrevistado en la revista Frame, Muti Randolph explica que su trabajo intenta meter a la gente dentro de su cabeza, “cuando estás al frente de un monitor 2D, la experiencia usual de ver la televisión o ir al cine, terminas imaginando que estás dentro de la película. Pero con esto aquí, literalmente estás dentro de la acción”.

Sus trabajos han adornado el D-Edge Club en Sao Paulo Brazil, galerías de Beijing, China y una de las carpas del Festival Coachella en Indio California, como parte del colectivo artístico The Creators Project.

Partiendo de la música como base para sus proyectos visuales, la preocupación de Muti siempre es extra sensorial. “Lo que intento es que la gente vea la música, no solo que la escuche”, le dijo a la BBC a razón de su instalación en Coachella, “tal vez eso ayude a que la gente se integre mejor a la totalidad de la experiencia musical”.

Texto por – Ejival

Embed de Deep Screen de Muti Randolph:

Kid Koala y su viaje al espacio como metáfora de una búsqueda personal

“Abre el libro”, “recuerda”, “esperanza”…instrucciones, acompañamiento; una obra musical y otra gráfica haciendo de espejos la una de la otra, en realidad son una sola, y cuentan una historia tan sencilla como profunda. Una canción de cuna para tiempos enredados, un refugio temporal para quienes aún gustan de escuchar, y de leer.

Kid Koala, más que tornamesista o DJ, un compositor extraordinario que vierte toda su dedicación e imaginación -vasta las dos, por cierto- al momento de trabajar con la aguja y el vinil. Así, Kid Koala es capaz de convertirse en un gran storyteller que emplea su música como vehículo perfecto para trazar narrativas que nos regresan un poco de ese lado humano opacado a veces por la bruma del caos contemporáneo.

Space Cadet, su última y reciente producción es un trabajo único: 132 páginas creadas a partir únicamente de scratch boards acompañadas de un soundtrack en el que parece sucede un encuentro tan poco probable como seductor: el tornamesismo de Kid Koala con la música de cámara. Tanto en la parte visual como sonora, el resultado es de una sutileza sorprendente y desde ya apunta para convertirse en un nuevo clásico audiovisual.

Admirando el libro de Space Cadet caes en cuenta de que éste sólo pudo haber venido de un esmerado y minucioso esfuerzo, como nos confirma Koala al ser entrevistado:

Comencé el libro en el 2001, poco después de que se publicó Nufonia Must Fall. Terminé el storyboard principal en el 2004 y pasé los siguientes siete años terminando los etchboards para cada panel. La técnica etchboard o scratch board consiste en postales que se cubren de tinta a las cuales raspas con un filo de metal o una punta muy fina”

La historia tiene una trama sencilla: Es acerca de un explorador espacial y su robot guardián que se queda en la tierra. Y sin embargo, llega más allá de eso, Es una historia sobre la familia. Es una historia sobre el tiempo…y cómo se nos pasa a todos…a veces demasiado rápido.

La música es una frágil canción de cuna, una oda melancólica en la que constantemente asoma la luz. La tornamesa pasa a último plano, siguiendo las líneas de piano y cuerdas-

Escribí y grabé las composiciones al piano. Ese fue el instrumento principal. Después lIené cada track con otras capas, contrapuntos y armonías que obtuve scratcheando diferentes melodías en mis tornamesas.Mi amigo Vid Cousins, quien me ayudó a producir el disco, toco también algo de bajo, y mi amiga Marika Anthony Shaw tocó la viola en algunos tracks.

El concierto que acompaña a Space Cadet es otra historia, de la cual les hablaré en la próxima entrega.

por Rafa Villegas

Kif Koala – Remembrance by MUTEK_MX